Валерия Валенская: «Доходы художника не зависят от его членства в союзах»
Современный художник вынужден совмещать в себе не только талантливого творца, но и грамотного менеджера и отчасти маркетолога. Как найти свою нишу в искусстве, какими способами можно заявить о себе, и от чего действительно зависит доход художника – на эти и другие вопросы PRIMPRESS ответила приморский художник Валерия Валенская.
- Валерия, пожалуй, начнем с главного: как найти свою «нишу» в искусстве? Как это произошло у вас, и какие бы советы вы дали молодым авторам, находящимся в творческом поиске?
- Многие художники, как начинающие, так и профессионалы, когда ищут свою нишу, делают одну и ту же ошибку – они смотрят вокруг, смотрят на других, изучают, как писали Матисс, Ван Гог и другие выдающиеся мастера. На самом деле нужно углубляться только в себя. В моем авторском практикуме прописаны три четких момента, из которых складывается своя ниша. Один из них – это то, что вы больше всего любите рисовать. То есть, выбирая нишу, художник должен ответить самому себе на вопрос: «Что вы не можете не рисовать, что вас всегда вдохновляет?».
- Однако также бытует мнение, что «своя ниша» – это то, что до вас никто не делал…
- Если вы будете делать то, что любите, что вам нравится, что вас вдохновляет, это и будет то, что никто никогда не делал. Потому что вы – единственный и неповторимый, и до вас не было вас, а значит, вы будете первый, даже если будете писать те же сюжеты, что художники писали ранее. Вы будете делать это по-своему, вы покажете зрителю этот сюжет так, как до вас никто не делал. Более того, далеко не все художники хотят двигаться путем новаторов. А те, кто ступает на этот путь, у них та же самая история – идти через себя.
- Как начать продвигать себя? Какую роль в этом процессе играют соцсети, а какую – участие в коллективных выставках?
- Сейчас очень развиты соцсети, а для художников это огромная возможность начать продвигать себя. Можно показывать свои картины всему миру. Для меня, как человека, родившегося в конце 70-х, прошедшего детство 80-х и юность в 90-е, это до сих пор остается фантастикой. Я понимаю ценность этого инструмента. Раньше нужно было приложить массу усилий, чтобы заявить о себе, а сейчас тебе для этого нужно завести аккаунт и начать с ним работать.
Существуют определенные правила и рекомендации, как развить соцсети. При этом совершенно необязательно вкладывать в это деньги. На своем авторском практикуме я говорю: «Можно заплатить деньги, а на вас подпишутся 10 тысяч индусов. Вам это что даст? Лучше пусть будет пять тысяч подписчиков, но это будут реально заинтересованные в вас люди».
Работать с соцсетями можно без отрыва от основной деятельности, уделяя этому по два часа два раза в неделю. Важно распределить контент, заранее распланировать материалы. Вообще сам контент – это отдельная история: как подавать свою картину, как ее правильно сфотографировать. Кроме того, очень хорошо работает история, связанная с созданием картины. А она всегда есть: откуда пришла идея, в каком настроении был художник, когда ее писал. Даже если у вас кошка прошла по палитре, когда вы писали – это тоже история, это то, что цепляет.
Что касается коллективных выставок, то тут нужно понимать, что это за выставка, кем и где она организуется. Очень важно, чтобы проводилась работа со зрителем. Я не вижу смысла в выставках, где галерист не заинтересован в повышении посещаемости.
- Некоторые художники останавливаются на уровне социальных сетей. Где та тонкая грань, когда пора задуматься о создании собственного сайта?
- Сайт – это когда у вас уже есть коммерческое предложение. Если вы готовы брать заказы, то сайт будет удобнее, чем соцсети. Если вы просто творите, создаете и хотите показывать свои работы с возможной продажей, то лучше оставаться в соцсетях. В этой истории все-таки важно понимать, что сайт – это уже некие финансовые затраты. Мало создать сайт, им нужно еще и заниматься: делать таргетинговую рекламу, привлекать целевую аудиторию – все это стоит денег, и в этом надо разбираться. На сайте должно быть ваше уникальное торговое предложение. Его может сделать только грамотный маркетолог, и это уже серьезное вложение. Вы сами этого никогда не сделаете. Следует принять для себя решение: надо оно вам или не очень. Сайт нужен, когда идет речь о заказах картин на поток.
- Какое значение в продвижении своего творчества играет вступление в союз художников? Насколько это сложная процедура, и стоит ли игра свеч?
- Это очень сложный вопрос. Дело в том, что в СССР союз художников давал авторам все: госзаказы, краски, творческие дачи и многое-многое другое. Его невозможно было как-то обойти. Художники могли полноценно работать, ни о чем не беспокоиться. Сейчас история с союзами несколько иная. Конечно, быть членом союза очень престижно, хочется взять эту высоту, поскольку, в первую очередь, это признание коллег: таким образом вас включают в профессиональную среду. Но если сравнивать с советским временем, то сейчас художнику это не нужно. Сейчас есть все возможности для того, чтобы продвигаться самостоятельно.
Кроме того, союзов художников много. Это не только союз художников России, хотя он взял преемственность от союза художников СССР. По запросу в интернете можно найти десять самых престижных союзов художников и из них выбрать, куда вам удобно вступить. По моему опыту на продвижение это почти никак не влияет. В принципе в них вступать не очень сложно, сложно вступать в союз художников России. У меня есть членство в двух союзах.
- Можно ли сказать, что художник, не вступая ни в какие союзы, может зарабатывать больше, чем члены различных Союзов?
- Да, конечно. На сегодняшний день доходы художника не зависят от его членства в тех или иных профессиональных сообществах. Это очень индивидуальная история, хотя, повторюсь, членство в союзах – это очень престижно: это про то, чтобы доказать коллегам и самому себе собственную профессиональную состоятельность.
До сих пор у нас остается такой пережиток старины, когда в салонах и галереях консультанты или арт-менеджеры начинают беседу с художником с вопроса о членстве в союзе художников. Я считаю, что от этого надо отказываться. На мой взгляд, галериста, менеджера и арт-консультанта в первую очередь должны интересовать работы, предлагаемые к экспонированию.
- Однажды приходит момент и для первой персональной выставки. С чего начать? Как заявить о себе?
- К персоналке надо приступать, когда у вас найдена своя ниша, тема, почерк и когда у вас есть минимум 15-20 картин, которые объединены одной темой. Тогда можно писать план-концепт и связываться с галеристами или организовывать выставку самостоятельно. Чтобы заявиться с персоналкой, должны быть хорошие картины и проделана огромная предварительная работа.
- Дать рекламу..?
- Реклама – это уже второй момент или даже третий. Сначала все-таки работы, потом помещение, оформление картин, развеска и только потом реклама. На нее должен быть предусмотрен бюджет, если вы организуете выставку самостоятельно. Если выставка в галерее, то они решают этот вопрос самостоятельно.
В принципе, если у вас развиты соцсети, наработаны подписчики, то можно и без бюджета. Скажем, если из пяти тысяч подписчиков придет на открытие 100 человек, это уже хорошо.
- В таком случае встает вопрос: а, может, есть смысл открыть свою галерею? Валерия, поделитесь опытом.
- Галерею «Центр искусств» я создавала не одна. Это сообщество единомышленников, творческих людей. В нашей дружеской команде были люди с очень разными навыками. Мы делали все сами: развеску, концерты, поэтические вечера. Сами решали различные организационные и бытовые проблемы.
Открыть галерею несложно, если есть стартовый капитал. У нас он был. Мы сняли помещение, которое нам приглянулось, собрали художников, сделали первую выставку, а дальше галерея существовала за счет оргвзносов участников выставок. Они шли на аренду. Таким образом получалось, что сообщество художников арендует помещение, проводит там художественные выставки и другие творческие мероприятия.
С трудом, впритык, но нужная сумма набиралась. Этого хватало на фуршеты на вернисажах, на другие траты по обеспечению галереи. Сложности были в другом, и они оказались совершенно неожиданными для нас: мы оказались к ним не готовы. Одной из них стала проблема с парковкой рядом с галереей. Другие арендаторы, большинство из которых было на машинах, постоянно перекрывали нам вход и выход. Другой сложностью стали некоторые бытовые неудобства, поскольку это помещение раньше было гаражом. В целом все было решаемо.
Через полтора года работы мы начали очень активно развиваться, потому что нас уже стали узнавать, мы привлекали художников из других городов России, в частности из Санкт-Петербурга и Новгорода. Несмотря на все сложности, мы провели 24 краевые выставки с охватом порядка 150 художников.
- Чего не хватало?
- Хотелось бы, чтобы активность художников была выше. То количество художников, которое откликалось на участие в выставке – это лишь малая доля от всех художников, которые живут и работают во Владивостоке.
- Почему все-таки закрылись?
- Ну, тут две причины. Во-первых, нам подняли арендную плату в два раза. Учитывая, сколько оно стало стоить, и что оно из себя представляло, мы решили не бороться за него и взяли паузу. Возможно, найдем новое помещение или спонсора и продолжим работу.
- Насколько нам известно, для вас это не первый опыт?
- Верно. Мы до этого много лет пытались открыть такое пространство в других местах с другими соорганизаторами. Мы создали два проекта, которые стали рабочими, хорошо пошли, но в обоих случаях мы очень резко разошлись с соорганизаторами из-за видения формата работы. Мы хотели, что они были некоммерческими, но у людей, с которыми мы их начинали, было на этот счет другое мнение.
По галерее «Центр искусств» невозможно объективно судить о том, насколько сложно создать галерею, потому что она была открыта сообществом единомышленников и творческих людей.
- Самопродвижение – это не только про узнаваемость, но и про продажу работ. Из чего складывается стоимость картины? От чего она зависит?
- Здесь все довольно просто: есть онлайн-калькуляторы, позволяющие рассчитать стоимость картины. Можно выбрать любой и ввести необходимые данные. На мой взгляд, это довольно адекватный инструмент для расчета. Но ситуации у всех в жизни разные, и бывает, что художнику очень нужны деньги, и тогда он существенно снижает реальную стоимость. Так, к примеру, по арт-рынку она может стоить 100 тысяч, а он выставляет ее за 20 тысяч. Тут для коллекционеров открываются большие возможности, но надо уметь их отслеживать.
Я веду канал, в котором художники могут выставить свои картины. На данный момент у меня около 800 подписчиков. Бывает, что человек выставляет совершенно неадекватную стоимость за свою картину. В таких случаях я прошу отказаться от публикации в моём канале, ведь есть множество других. В моем паблике выставляются работы только за адекватную стоимость. Нельзя продавать несформированную профессионально работу на кусочке бумажки за 100 тысяч рублей. Ты это можешь делать, если уже достиг каких-то профессиональных высот, когда уже может идти речь о художественной ценности.
- Как художнику не остаться голодным и в то же время не идти на поводу у публики, опускаясь до салонного искусства или работы на конъюнктуру?
- Это очень актуальная тема. Когда у тебя начинают продаваться работы в салонах, ты понимаешь, что покупают вот такой стиль. И если у художника нет других амбиций, то он вполне может остаться на этом уровне и уйти в конъюнктуру. Это личное дело каждого, как говорится. Тут уже человек должен решиться для себя: или он так работает или как-то иначе. Все зависит от его личных целей, от того, что он на самом деле хочет. На мой взгляд, тут вопрос не в том, как не уйти в конъюнктуру, а в том, почему ты туда уходишь.